Las 47 mejores canciones de blues de todos los tiempos

Los grandes artistas de blues hablaron, los rockeros más inteligentes escucharon. Sin el blues no habría rock’n’roll, pero ciertas canciones fueron especialmente fundamentales. O se hicieron covers de forma famosa, o se tomaron prestados los licks, o instruyeron a los rockeros en estilo y actitud. Muchas de las canciones de blues más influyentes resuenan hasta el día de hoy, y algunas probablemente fueron interpretadas por una banda local en tu ciudad el fin de semana pasado. Baste decir que, si Robert Johnson nunca hubiera ido a la encrucijada, o si BB King todavía sintiera emoción, el mundo sería un lugar más pobre.

Mientras lees, escucha nuestra lista de reproducción de las mejores canciones de blues aquí.

BB King – The Thrill Is Gone
El productor Bill Szymczyk – sí, el mismo que ganaría millones unos años más tarde con The Eagles – causó una pequeña revolución cuando agregó una sección de cuerdas a esta canción, por lo demás, una de las muchas baladas suaves que BB King grabó en los años 60. El productor no tuvo reparos en pulir el sonido de King, grabándolo con músicos de estudio de primer nivel (en lugar de su banda de gira) y, en este caso, sacando una de sus trabajos vocales más sentidos. “Thrill Is Gone” no fue el primer disco en fusionar el blues con el pop, pero fue el más suave y exitoso hasta la fecha (llegando al número 15 como disco pop) y preparando el escenario para muchos crossovers por venir.

Robert Johnson – Me And The Devil Blues
Una de las últimas grabaciones que hizo, lanzada por el sello Vocalion en 1938, esta fábula clásica sobre Satanás reclamando una deuda, ayudó a alimentar el mito de larga data de que Johnson había hecho un pacto faustiano con el diablo en una encrucijada, intercambiando su alma por el éxito musical. El hecho de que Johnson muriera en circunstancias misteriosas poco después hizo que el disco pareciera profético. Ofrece un ejemplo por excelencia del gemido conmovedor y el esquelético de la guitarra de acompañamiento de Johnson, y se convirtió en una piedra de toque para los músicos de blues posteriores; algunos de quienes lo interpretaron incluyen a Peter Green Splinter Group, Eric Clapton y Gil Scott-Heron.

John Lee Hooker – Boogie Chillen
El mayor éxito comercial de Hooker fue durante los años 1949 a 1951 cuando tenía treinta y tantos años; colocó seis sencillos en las listas de R&B de Estados Unidos el primero de los cuales fue “Boogie Chillen”, que llegó hasta el número 1. Una melodía original grabada en 1948, la canción representaba la estética minimalista que era el sello distintivo de Hooker; el único instrumento en el disco era la guitarra de Hooker, en la que tocaba acordes de una manera hipnótica, como un bucle, detrás de su voz áspera como un ladrido. Considerado un clásico del blues del delta, el disco también personificó el estilo “boogie” con sus síncopas rítmicas. La melodía ha sido una de las favoritas de otros músicos de blues (Slim Harpo, Buddy Guy y Freddy King la han grabado) e incluso de bandas de rock; Led Zeppelin una vez la incluyó en un popurrí que grabaron para la radio de la BBC en 1969.

Little Walter And His Jukes – My Babe
El armonicista y cantante de Luisiana, Marion Jacobs, mejor conocido por su apodo de blues “Little Walter”, saltó a la fama en la década de 1950 cuando acumuló 15 éxitos para el sello Checker de Chess Records, incluido “My Babe”, que pasó cinco semanas en la cumbre de las listas de sencillos de R&B de Estados Unidos en 1955. La melodía provino de la pluma de Willie Dixon, el poeta laureado del blues de Chicago, pero se basó libremente en una melodía góspel llamada “This Train (Is Bound For Glory)”. Con su ritmo de R&B resoplando y bailable y su gancho contagioso, anticipó el estilo del rock and roll que surgiría dos años después. La canción fue incluida en el Salón de la Fama de la Fundación del Blues en 2008 e inspiró a más de 150 interpretaciones diferentes; de Bo Diddley a Elvis Presley y Dr. Feelgood. Willie Dixon grabó su propia versión en 1973.

Howlin’ Wolf – Evil
No desperdicies el aliento discutiendo si Led Zeppelin o Black Sabbath inventaron el heavy metal, en lo que a nosotros respecta, Howlin’ Wolf lo tocaba en 1954. Claro, “Evil” es básicamente un blues lento, pero la pura ferocidad con la que la banda lo ataca – sin mencionar la deliciosa amenaza en la voz de Wolf – explica su influencia. Mientras tanto Willie Dixon encuentra la metáfora más grandiosa sobre ser engañado (“Parece que otra mula está pateando en tu establo”). A diferencia de muchos temas de Wolf (“Back Door Man” para The Doors y “Smokestack Lightnin'” para The Yardbirds), “Evil” nunca recibió una versión icónica del rock’n’roll (aunque Cactus hizo una perfectamente sólida y poco conocida en 1971). Pero la dureza del rock pesado, sin mencionar su fascinación por el lado oscuro, no estaría en ninguna parte sin él.

Robert Johnson – Crossroads
En un nivel puramente musical, no hay duda del poder de este blues. Duane Allman, Winter, Rory Gallagher y prácticamente todos los grandes intérpretes de slide de la era del blues-rock se hicieron eco de la intensa forma de tocar la guitarra slide de Johnson . La canción también da fe de los extraños misterios del blues. Ya sea que pienses que Johnson realmente estaba vendiendo su alma, o simplemente tratando de hacer autostop, todavía te convence de cuánto estaba en juego. La canción también fue electrificada por Eric Clapton con Cream en su tercer álbum, Wheels Of Fire.

Blind Lemon Jefferson – Matchbox Blues
Aunque su vida fue corta – murió de problemas cardíacos a los 36 años en 1929 – Lemon Henry Jefferson (para dar su nombre completo) tuvo un impacto de gran alcance en la evolución del blues; su estilo vocal agudo y quejumbroso y su intrincado acompañamiento de punteo de guitarra, que se personifica en “Matchbox Blues”, influyeron a todos, desde Robert Johnson hasta Robert Plant. En 1927, Jefferson grabó tres versiones de esta melodía histórica, cuyo título se inspiró en una línea de una canción anterior, “Lost Wandering Blues” de Ma Rainey. En 1958, el rocanrolero Carl Perkins adaptó la canción para crear un nuevo número, “Matchbox”, The Beatles grabaron una famosa versión seis años después.

Muddy Waters – Got My Mojo Working
¿Por qué este clásico reina en la parte superior de la mayoría de estas listas? Por un lado, pocas canciones encarnaron la arrogancia y el misterio del blues mejor que esta. El cantante está enamorado a pesar del infalible amuleto vudú que lleva en el bolsillo. Y como un millón de bandas de garaje pueden decirte, se siente genial tocar la canción. Tiene la misma progresión 1-4-5 que “Louie Louie” y no puedes tocarla sin pavonearte un poco. Grabado por Muddy Watersen 1957, no fue su primera canción con tema de vudú (había hecho “Hoochie Coochie Man” tres años antes), pero se convirtió en su canción característica a partir de entonces. Curiosamente, el escritor de la canción, Preston Foster, aparentemente un hombre afable que se presentó en Chess con algunas melodías en el bolsillo, nunca alcanzó la fama y tuvo que llevar a Waters a los tribunales por su autoría. Sin embargo, no importa, porque “Mojo” es una de esas canciones que realmente le pertenece a todos.

Etta James – I’d Rather Go Blind
Apodada “Miss Peaches”, Jamesetta Hawkins es más familiar para los fanáticos del blues y el soul como Etta James. James acumuló la asombrosa cantidad de 30 éxitos en la lista de sencillos de R&B de Estados Unidos entre 1955 y 1978. Sorprendentemente, esta canción, considerada como una de las más emblemáticas del cantante, no turbó a las listas de éxitos ya que no obtuvo un lanzamiento como sencillo; en cambio, fue relegado al lado B del sencillo de 1967, “Tell Mama”. Una canción sobre la angustia, la pérdida y la naturaleza adictiva del amor y la devoción, fue escrita por Billy Foster y Ellington Jordan e inspiró a artistas tan diversos como Paul Weller, Beyoncé, Rod Stewart y Dua Lipa para grabarla.

Big Joe Williams – Baby Please Don’t Go
Este músico de blues de Mississippi fue famoso por tocar una guitarra poco ortodoxa de nueve cuerdas y en 1935 grabó (bajo el nombre de Joe Williams’ Washboard Blues Singers) “Baby Please Don’t Go”, que se convirtió en una de las canciones de blues más populares de todos los tiempos. Williams acompañó su voz con una guitarra mientras que Dad Tracy tocaba un violín de una cuerda y Casey “Kokomo” Collins marcaba ritmos en una tabla de lavar. Aunque la melodía fue acreditada a Williams, los musicólogos creen que la canción se basó en una canción popular afroamericana llamada Long John y en la melodía de Tin Pan Alley “Alabamy Bound”. Lightnin’ Hopkins y Muddy Waters la grabaron en los años 40 y 50 respectivamente y en los años 60 fue interpretada 36 veces; las versiones más notables provienen de Mose Allison, Them y Paul Revere & The Raiders.

Leroy Carr – How Long, How Long Blues
Como vocalista, Carr, nacido en Nashville y que también tocaba el piano, no era un bluesero arquetípico; no aulló ni gritó, sino que cantó con una voz tan suave como el terciopelo y pasó a influir a gente como Charles Brown. Esta popular canción de 1928, lanzada en el sello Vocalion, ofreció una variación del sencillo de 1926 de Ida Cox, “How Long Daddy, How Long”, y encontró a Carr acompañado por el guitarrista y socio musical Scrapper Blackwell. Carr aportó una urbanidad metropolitana y un sentido de sofisticación conmovedora al blues y ésta, su mejor canción, inspiró más de 100 versiones; desde cantantes pop (Johnnie Ray) hasta cantantes de jazz (Ella Fitzgerald) y rockeros de blues (Eric Clapton).

Junior Kimbrough – Do The Rump
Durante los años 90, los estudiosos del blues del sello Fat Possum se aventuraron en el delta del Misisipi y encontraron un grupo de músicos de blues que golpeaban ritmos crudos y elementales en los garitos todas las noches. Esos discos, especialmente los de Junior Kimbrough y RL Burnside, influyeron en un puñado de jóvenes rockeros, que no solo se apropiaron de la energía pura, sino también de la guitarra, la batería y nada más, y llevaron ese sonido de antro a las arenas de rock. El primer álbum de The Black Keys estuvieron fuertemente inspirados en Fat Possum y abrían con canciones consecutivas de Burnside y Kimbrough, mientras que Jack White también fue un discípulo. La versión original de la melodía de Kimbrough es el sonido primitivo que buscaban esos hipsters.

Robert Johnson – Sweet Home Chicago
Considerado como un himno de La Ciudad de los Vientos, este blues perenne sobre migrar a un lugar mejor fue grabado por Johnson en un hotel de Texas a finales de 1936, y representó una síntesis de elementos melódicos y líricos tomados de varias canciones de blues anteriores: incluyendo “Kokomo Blues”, “Honeydripper Blues”, y “Red Cross Blues”. La secuencia de acordes de Johnson combinada con la estructura de la canción y sus ritmos traqueteantes establecieron una plantilla distintiva para las canciones de blues que persiste en la actualidad. Junior Parker obtuvo un éxito en el Top 20 de R&B de Estados Unidos con la melodía en 1958 y desde entonces ha generado una gran cantidad de versiones, desde Taj Mahal hasta Eric Clapton.

Bobby ‘Blue’ Bland – Stormy Monday Blues
Un éxito para Bland en 1961 – alcanzó el número 5 en la lista de R&B y el número 43 en The Hot 100. Este tema inmortal de blues no es la canción con el mismo título que fue grabada por primera vez en 1942 por el pianista y director de orquesta Earl Hines; es una renovación del sencillo de 1947 del guitarrista T-Bone Walker, “Call It Stormy Monday But Tuesday Is Just As Bad”. La versión de Walker sonaba positivamente movida en comparación con el enfoque único de Bland; la redujo a un ritmo fúnebre y usó su voz satinada para crear un diálogo narrativo con el guitarrista Wayne Bennett. Apareció en Here´s The Man!l, álbum de Bland de 1962 y entre los que luego grabaron la melodía se encontraban Little Milton y The Allman Brothers Band.

John Lee Hooker – Boom Boom
Después de su segundo sencillo de R&B No.1 en Estados Unidos, “I’m In The Mood” de 1951, la carrera de Hooker entró en declive comercial solo para revivir a principios de los años 60 cuando la explosión del blues británico lo ayudó a volver a ser el centro de atención y exponer su música a un público más amplio. “Boom Boom”, un éxito de pop y R&B estadounidense en 1962, fue grabado en Chicago para Vee-Jay Records y cristalizó el estilo boogie distintivo del bluesista del Mississippi; su voz áspera, parecida a un ladrido, acompañada de la conducción de una guitarra y un ritmo que hace mover los pies. La canción fue un éxito estadounidense en 1965 para el grupo británico The Animals, y 30 años después apareció en la lista del Salón de la Fama del Rock and Roll de las 500 canciones que dieron forma al rock and roll.

Koko Taylor – Wang Dang Doodle
Hubo que convencer a la cantante de blues de Chicago para que grabara su número característico (anteriormente interpretado por Howlin’ Wolf) ya que Taylor no estaba segura de poder relacionarse con esta historia de una fiesta salvaje con personajes como Automatic Slim y Razor-Toting Jim. El mundo tiene suerte de que haya cambiado de opinión. No solo es una de las mejores canciones de fiesta del blues, sino que la pura dureza de su interpretación inspiró a artistas como Bonnie Raitt y Janis Joplin.

Albert King – Born Under a Bad Sign
Nacido bajo el nombre de Albert Nelson, el músico de blues del Mississippi, Albert King, tenía el apodo de “The Velvet Bulldozer”, que se refería a su voz suave y conmovedora que parecía estar en desacuerdo con su imponente marco de 1.93 mts y 250 libras. Aunque no fue su sencillo de mayor éxito comercial, King es mejor recordado por este éxito del Top 50 de R&B estadounidense de 1967, grabado para Stax Records y escrito por el cantante de soul William Bell y Booker T. Washington (de Booker T. & The MGs). Con trompetas e impulsado por un ritmo constante de medio tiempo, anticipó el estilo de blues crossover más suave de finales de los 60 y principios de los 70. El enfoque distintivo de King hacia la guitarra sintetizaba estilos de blues y rock, lo que explica su influencia en Jimi Hendrix (quien hizo una versión de “Born Under A Bad Sign” en 69), Mike Bloomfield, Joe Walsh y Stevie Ray Vaughan.

Robert Petway – Catfish Blues
De este misterioso músico de blues del Delta no se sabe mucho, pero lo cierto es que solo grabó 16 temas, uno de los cuales, “Catfish Blues”, logró la inmortalidad y un lugar en el panteón de las mejores canciones de blues. La grabó en 1941 para el sello Bluebird, acompañando su voz declamatoria con la conducción de una guitarra acústica; Más tarde, la canción tuvo un impacto en el músico de blues de Misisipí Muddy Waters, quien se inspiró en su letra y la transformó en su canción de 1950, “Rollin’ Stone”. Lightnin’ Hopkins, Jimi Hendrix y Buddy Guy con Junior Wells le dieron sus propios giros a “Catfish Blues”.

Otis Rush – Working Man
Reconocido por su sonido expresivo de guitarra y la forma distintiva en que doblaba las notas para exprimir cada gota de sentimiento de las cuerdas, este maestro zurdo del blues de Mississippi saltó a la fama en los clubes del lado oeste de Chicago. Después de temporadas con los sellos Windy City Cobra y Chess, en 1969 Rush aterrizó en Cotillion, la subsidiaria de Atlantic, y grabó el álbum Mourning In The Morning. Su pieza central fue “Working Man”, una variación del formato arquetípico de blues de doce compases, que fue coescrita por el coproductor del álbum, el experto en blues de Chicago, Mike Bloomfield. Respaldada por una banda de primera, con Duane Allman a la guitarra, reforzada por una sección de vientos, la canción destaca la sofisticación conmovedora que Rush aportó al lenguaje del blues.

T-Bone Walker – Stormy Monday
Versionada por una buena razón por cientos de bandas, esta es una de las canciones que escribieron el libro en la guitarra eléctrica. La versión original de 1947 de T-Bone Walker ni siquiera tiene un gran solo; la magia está en las fluidas ejecuciones que toca después de cada línea de los versos, junto con los acordes fuertemente rasgueados para puntuar su “Lord have mercy”. La única forma en que los Allman Brothers podían mejorarlo era alargarlo a 10 minutos. Hendrix también lo hizo en un pirateo dudoso, pero probablemente fue el prototipo de su obra maestra de blues lento “Red House”.

Blind Willie McTell – Statesboro Blues
De Thomson, Georgia, Blind Willie McTell fue pionero en una técnica de guitarra fluida y punteada que llegó a definir el estilo de blues de Piedmont influenciado por el ragtime que evolucionó en la década de 1920. Sin duda, su canción más famosa, “Statesboro Blues”, fue lanzada en 1929 en el sello Victor como cara B de “Three Woman Blues”, pero se hizo más popular con el paso de los años; con la ayuda de versiones de Tom Rush y Taj Mahal en la década de 1960 y una icónica de la banda de rock sureño, The Allman Brothers Band, cuya interpretación en vivo súper cargada abre su álbum clásico de 1970, The Allman Brothers Band At Fillmore East.

Big Bill Broonzy – Get Back
Broonzy, un trovador de folk-blues cuya carrera lo llevó de los campos de algodón de Mississippi a las salas de conciertos de Europa, fue un cantautor cuya música era una síntesis perfecta de canciones de trabajo, espirituales y ragtime. Combinó un timbre vocal expresivo y de contorno suave con un hábil trabajo de guitarra y, como muestra está “Get Back”, grabada en 1951, en donde no tuvo miedo de expresar preocupaciones sociales en sus canciones. Una observación astuta sobre la discriminación racial en Estados Unidos, tiene un coro memorable: “Si eres blanco, estás bien, si eres moreno, puedes quedarte, pero si eres negro, oh hermano, regresa”.

Muddy Waters – Rollin’ and Tumblin’
Aunque nació en la región del delta del Mississippi, la cuna del blues, Muddy Waters se convirtió en sinónimo del sonido eléctrico del blues de Chicago. Antes de que Waters se conectara, grabó el sencillo “Rollin’ and Tumblin'” en 1950 para el sello Windy City Aristocrat (que poco después se convirtió en Chess Records). El disco fue una renovación enérgica de una melodía de 1929 del músico de blues country de Tennessee, Hambone Willie Newbern, y encontró a Waters puntuando su conmovedor gruñido con abrasadores toques de guitarra slide respaldados por la línea de bajo de Ernest “Big” Crawford. La canción fue grabada previamente por Robert Johnson (en 1936) y fue resucitada en 1966 por Cream, el supergrupo británico influenciado por el blues, en su LP debut Fresh Cream.

Albert Collins – Sno-Cone, Partes 1 y 2
Hablando de una gran guitarra, el sonido punzante de la Telecaster de Collins en este prominente sencillo (ambas partes eran canciones completamente diferentes) se convirtió en una piedra de toque para el blues de Texas, con los hermanos Jimmie y Stevie Ray Vaughan prestando especial atención. Los habitantes de la Costa Cste como J Geils y George Thorogood también lo entendieron, y el “maestro de la Telecaster” apareció en bastantes escenarios de rock antes de su muerte en 1993.

Taj Mahal – Leaving Trunk
Henry St. Claire Fredericks es el nombre de nacimiento del misionero del blues nativo de Harlem, Taj Mahal, quien reconoció la tradición del blues mientras ampliaba los horizontes de la música al fusionarla con elementos de la música del mundo. “Leaving Trunk” es el corte que abre el LP debut homónimo de Mahal de 1968 y presenta a un joven Ry Cooder en la guitarra rítmica. La melodía es una renovación energizada de blues-rock de la melodía de la década de 1930 de Sleepy John Estes, “Milk Cow Blues”, que encuentra a Mahal puntuando su voz apasionada con aullidos de armónica. En la década de 2000, los grupos estadounidenses influenciados por el blues The Black Keys y The Derek Trucks Band incluyeron la melodía en sus repertorios.

Big Mama Thornton – Hound Dog
Los legendarios compositores y productores Jerry Leiber y Mike Stoller fueron responsables de esta explosión de rhythm and blues que tiene la distinción de haber sido grabada por más de 300 artistas diferentes. La versión de Elvis Presley de 1957 es probablemente la más famosa, pero la primera grabación fue de la cantante de gran voz de Alabama y maravilla de un solo éxito, Willie Mae “Big Mama” Thornton, quien la llevó a la cima de las listas de R&B de Estados Unidos en 1953, donde permaneció durante siete semanas. Un récord histórico, “Hound Dog” ayudó a poner en marcha el tsunami del rock and roll, que explotó poco después. En 2013, la importancia de la canción fue reconocida por el Salón de la Fama del Rock And Roll, que la incluyó en una lista de 500 canciones que dieron forma al Rock And Roll.

Bessie Smith – Nobody Knows You When You’re Down and Out
Fue apodada, con cierta justificación, la “Emperatriz del Blues” y, aunque murió en 1937, a los 43 años, la influencia de Bessie Smith permeó la música popular durante muchos años después. Entre las muchas cantantes femeninas que cayeron bajo su hechizo estaban Dinah Washington, Esther Phillips y Billie Holiday. Uno de sus números característicos, “Nobody Knows You When You’re Down and Out” es una conmovedora reflexión sobre la pérdida, los tiempos difíciles y la inconstancia de la fortuna, que fue escrita por Jimmy Cox en 1923 y grabada por la nativa de Tennessee Smith seis años después. Blind Bobby Baker grabó la melodía por primera vez en 1927, pero Smith rápidamente tomó posesión de ella y ayudó a transformarla en un blues perenne muy querido que se ha grabado más de 200 veces desde su grabación.

Robert Johnson – Hellhound on My Trail
Grabada por primera vez en 1937 por su compositor, el pionero del blues de Delta, Robert Johnson, “Hellhound On My Trail” posee una cualidad inquietante gracias a la voz apremiante y quejumbrosa del hombre del blues de Mississippi, que está respaldada por acordes esqueléticos de guitarra acústica. La canción permaneció olvidada y descuidada durante 30 años hasta que la banda inglesa Fleetwood Mac la resucitó en 1968 durante un período de renacimiento del blues que reavivó el interés por el trabajo de Johnson. Desde entonces, ha habido más de 20 interpretaciones, sobre todo de la cantante de jazz Cassandra Wilson y el guitarrista de blues rock Eric Clapton.

Freddy King – I’m Tore Down
Hubo tres reyes famosos del blues: BB, Albert y Freddy King, ninguno de los cuales estaba relacionado. El más joven de esta majestuosa santísima trinidad es Freddie King, que procedía de Texas y fue pionero en un estilo distintivo que era una amalgama del sonido eléctrico arenoso de Chicago y el enfoque más suave del blues-rock de los músicos del Estado de la Estrella Solitaria. “I’m Tore Down” escrita por Sonny Thompson, un éxito del Top 5 de R&B de Estados Unidos en 1961, es un blues cadencioso en el que destaca tanto la voz conmovedora de King como su expresivo estilo de diapasón con su tono penetrante y agridulce. King tuvo una profunda influencia en el blues británico, con una versión de “I’m Tore Down” de Alexis Korner, Dr. Feelgood y Eric Clapton.

Sonny Boy Williamson II – Help Me
Sin relación con un cantante de blues anterior con el mismo nombre, Williamson era un especialista en armónica que nació como Aleck Ford en Mississippi y saltó a la fama durante el surgimiento del movimiento del blues eléctrico en la década de 1950 en Chicago. Tuvo una productiva asociación con el sello Chess de la Ciudad de los Vientos entre 1955 y 1968; uno de sus lados más populares fue este, “Help Me”, un ritmo pegajoso y contagioso que coescribió con Willie Dixon y fue la canción principal del LP de Williamson de 1966, More Real Folk Blues, una colección de sencillos. Versiones notables de la canción provienen de Canned Heat, Ten Years After, Van Morrison y Walter Trout.

Lucille Bogan – Shave ’Em Dry
No es el disco más conocido de esta lista, pero en cierto modo es el más innovador. De un solo golpe, Lucille Bogan grabó una de las canciones más sexualmente explícitas de la historia y derribó cualquier límite sobre lo que una mujer podía cantar, y lo hizo en 1935. Las letras de Bogan rompieron muchos tabúes: “Groceries On The Shelf” trataba sobre la prostitución como una carrera viable, mientras que “BD Woman Blues” (las iniciales significan “bull dyke”) era completamente amigable con esa persuasión. La versión original lanzada de “Shave ‘Em Dry” simplemente estaba empapada de insinuaciones, pero también grabó una versión alternativa debajo de la mesa que es más conocida entre los aficionados al blues en estos días. Esa versión no deja dudas sobre sus intenciones e incluye la frase: “Tengo algo entre las piernas que hace que se corra un muerto. No hay premios por descubrir a quién inspiró posteriormente…

Stevie Ray Vaughan – Texas Flood
Vaughan, un guitarrista de dedos ágiles de Dallas que canalizó la extravagancia del diapasón de Hendrix y la melódica velocidad de los dedos de Lonnie Mack, ya era muy conocido para los aficionados al blues cuando su cameo en el álbum Let’s Dance de David Bowie lo puso en el radar del mainstream en 1983. El mismo año, Vaughan lanzó esta balada de blues de doce compases de combustión lenta, la canción que le da título a su LP debut de 1983 con su banda Double Trouble. El tema es una renovación de una canción editada por primera vez por el músico de blues del Estado de la Estrella Solitaria, Larry Davis, en 1958. La versión de Vaughan fue nominada a un Grammy.

Elmore James – Dust My Broom
Este número seminal de blues, escrito por Robert Johnson en 1936 – cuando se titulaba “I Think I’ll Dust My Broom”, es una metáfora de la frustración sexual. Fue un éxito en el Top 10 de R&B en el sello Trumpet para el guitarrista y cantante de Mississippi Elmore (o Elmo) James en 1952, quien electrificó la canción con rellenos de guitarra slide abrasadores (ahora muy imitados) y la soldó a una conducción. ritmo aleatorio. El estilo de blues apremiante y amplificado de James impactó profundamente a muchas jóvenes bandas británicas en los años 60, incluidos los Rolling Stones y Fleetwood Mac (que hicieron una versión de “Dust My Broom” en su álbum de 1968 Mr. Wonderful).

Jimi Hendrix – Voodoo Chile
Cualquiera que haya escuchado a músicos de blues jactanciosos como Muddy Waters (“Hoochie Coochie Man”) y Howlin’ Wolf (“Smoke Stack Lightnin’”) reconocerá la frivolidad ocasional del género con el auto-engrandecimiento sobrenatural. En 1968, Jimi Hendrix elevó ese aspecto a la enésima potencia con la épica canción de 15 minutos “Voodoo Chile”, donde se describe a sí mismo como un niño místico con súper poderes extraordinarios. La melodía, que apareció en el álbum Electric Ladyland, supuestamente se construyó sobre una base de “Catfish Blues” de Muddy Waters”, que Hendrix luego desarrolló en una pieza episódica en expansión que ofrece un resumen estilístico de la historia del blues. La versión del sencillo, más corta y más abiertamente psicodélica de la melodía – “Voodoo Chile (Slight Return)” – se convirtió en una de las melodías emblemáticas de Hendrix. La canción ejemplifica la tradición del blues de canibalizar canciones antiguas para hacer otras nuevas.

Bo Diddley – I’m a Man
Bo Diddley era el alter ego de Elias McDaniel, el influyente compositor e intérprete nacido en Mississippi que comenzó tocando el violín, pero que tomó la guitarra después de ver a John Lee Hooker. Surgió como un importante artista discográfico en la década de 1950 como parte de la escena del blues eléctrico de Chicago y grabó “I’m A Man” en 1955 como cara B de su sencillo debut, “Bo Diddley”. (Ambos lados del disco fueron populares y juntos ascendieron al número 1 en la lista de R&B de Estados Unidos). El riff de guitarra monolítico y arrogante de la melodía y la armónica quejumbrosa sobre un ritmo palpitante se inspiraron supuestamente en “Hoochie Coochie Man”, un éxito anterior de Muddy Waters. Como respuesta a Diddley, Waters reconfiguró “I’m A Man” en una nueva canción, “Mannish Boy”, aunque musicalmente las dos melodías eran idénticas. La de Diddley fue particularmente influyente en las bandas de rock británicas; The Yardbirds, The Who y Dr Feelgood la grabaron.

Professor Longhair – Big Chief
Editado originalmente en 1964, este es uno de los pilares de la música de Nueva Orleans. La incorporación del pianista de la rumba caribeña y las síncopas del baterista Smokey Johnson definen el enfoque único de la ciudad hacia el ritmo, sentando las bases para su funk y R&B. Escrita por el músico de blues Earl King (quien también cantó en el disco original), “Big Chief” se inspira líricamente en los rituales callejeros de los indios Mardi Gras. El profesor Longhair, quien murió en 1980, sigue muy vivo en la cultura de Nueva Orleans. El club más conocido de la ciudad, Tipitina’s, lleva el nombre de otra de sus canciones. Y si estás en la ciudad durante el Mardi Gras o el Jazz Fest, “Big Chief” es una canción que seguramente escucharás.

Jimmy Reed – Bright Lights, Big City
Si una canción encarna el country blues fácil ésta bien podría ser, gracias al ritmo relajado del Mississippi de Jimmy Reed y la letra, que advierte sobre un futuro sombrío para la chica que se escapó a la ciudad. La canción convirtió a Reed en un nombre lo suficientemente grande como para tocar en el Carnegie Hall en 1961 (lo que resultó en un álbum “en vivo” que de hecho fue recreado en el estudio). La versión de Sonny James fue una canción country número uno, mientras que otras versiones notables provinieron de los Stones y Neil Young.

Willie Dixon – The Seventh Son
Willie Dixon, un sabio del blues si alguna vez hubo uno, extrajo grandes canciones de la mitología vudú (“Hoochie Coochie Man”) y del folclore sureño, donde tomó la idea de que el séptimo hijo de una familia tendría un don único. Esta canción clásica fracasó en su primer lanzamiento en 1955 (por Willie Mabon, para quien Dixon la escribió). El eterno hipster Mose Allison la recogió. Pero no fue un verdadero éxito hasta 1964 gracias a Johnny Rivers, un hombre siempre con un gran gusto para las versiones, que reformuló para siempre “Seventh Son” como una canción de rock & roll.

Howlin’ Wolf – Spoonful
Más magia lírica de Willie Dixon, quien tomó una parte de una vieja letra de Charley Patton y la convirtió en una súplica eterna por solo una cucharada de dulce amor. La grabación original de 1960 de Howlin’ Wolf fue una profunda influencia en las bandas de blues-rock posteriores, gracias a su voz primitiva y a la tremenda guitarra de Hubert Sumlin. The Lovin’ Spoonful incluso se nombraron así por la canción, y Cream hizo una famosa obra maestra de 16 minutos con ella.

Muddy Waters – I Just Want to Make Love to You
Cuenta la historia que alguien desafió a Willie Dixon a escribir una canción sobre estar de humor para hacer el amor. Por supuesto, cumplió, pero lo hizo con el ingenio característico, incluida una larga lista de cosas que el cantante no quiere hacer. Pero la lujuria básica es inconfundible en la versión de Waters, respaldada por Dixon y los otros grandes de la sesión de Chess. Ya sea interpretado con reverencia por los Rolling Stones o amplificado por Foghat, la lujuria sigue siendo la misma.

Otis Rush – I Can’t Quit You Baby
Otra composición más de Willie Dixon, esta se dirige a un territorio emocional complicado, y aparentemente está inspirada en las propias circunstancias de Rush. El cantante no puede alejarse de la mujer que ama, pero necesita dejarla “por un tiempo” para enderezar su vida hogareña. Rush grabó esta canción varias veces, pero la versión de 1966 (del álbum de Vanguard Chicago: The Blues Today) es posiblemente la más popular. Es la que versionó Led Zeppelin, manteniendo muchos de los licks del solo de Rush, así como la apasionada apertura a cappella.

Buddy Guy – Stone Crazy
Esta fue una de las primeras obras maestras en la carrera de Buddy Guy, una verdadera muestra de su intensidad característica: su voz es un aullido de angustia romántica y su guitarra le responde después de cada línea, lo que conduce a un solo que está lleno de tensión. Originalmente un sencillo de tres minutos en 1961, la versión sin editar apareció en un álbum recopilatorio posterior y ahora es merecidamente la versión estándar.

Muddy Waters – Hoochie Coochie Man
Pocas canciones han definido a un artista tan claramente como lo hizo esta canción de Willie Dixon para Muddy Waters. Su arreglo de tiempo detenido fue innovador para una canción de blues en 1954, pero es la arrogancia eterna de la letra lo que realmente te agarra: el cantante es tan poderoso, especialmente con el sexo opuesto, que una “gitana” tiene que advertir a su madre por adelantado. La canción también fue un buen ejemplo de la tradición del blues en el trabajo: Bo Diddley la reescribió y obtuvo el intemporal “I’m a Man”; Waters, a su vez, respondió eso con un tercer clásico: “Mannish Boy”.

Howlin’ Wolf – Smokestack Lightning
La composición de Wolf es un buen testimonio de la poesía de una letra de blues, tomando la imagen de un tren rodando por la ciudad y convirtiéndola en algo de otro mundo con la ayuda de los lamentos de Wolf. Hubert Sumlin proporcionó la indeleble línea de guitarra que hizo que la canción se ganara el cariño de una multitud de jóvenes rockeros de blues, sobre todo Eric Clapton, cuya versión con los Yardbirds fue admirada por el propio Wolf.

Elmore James – It Hurts Me Too
Una de las baladas de blues más sentidas, “It Hurts Me Too” también se convirtió en sinónimo de guitarra slide. Tampa Red tocó un delicioso slide acústico en la versión original de 1940. Pero fue la guitarra eléctrica de James en su versión de 1957 la que inspiró a un gran elenco de maestros de la guitarra a darle una oportunidad a “It Hurts Me Too”, incluidos Jerry García con The Dead, Eric Clapton en sus primeros días como solista y a Ry Cooder en el álbum derivado de los Stones Jamming With Edward.

Otis Rush – All Your Love
Este clásico de 1959 se distingue de la mayoría de las canciones de su lista en virtud de que es una canción de amor feliz, completa con algunas frases geniales (“All your lovin’ is lovn’, all your kissin’ is kissin'”). Es también inventivo rítmicamente, con el baterista Billy Gayles agregando un ritmo latino en la primera mitad de la canción, solo para cambiar a un pesado cuatro por cuatro cuando Rush toma su solo de guitarra. Peter Green de Fleetwood Mac admitió que tomó prestado mucho de éste cuando escribió “Black Magic Woman”, a la que Carlos Santana le restauró el ritmo latino.

John Lee Hooker – Dimples
“Dimples”, una de las canciones que tienen la marca de Hooker, es una maravilla del minimalismo de blues, y un poco de lujuria desenfrenada por la forma en que una mujer camina y “cambia”. El original de 1959 fue uno de sus primeros sencillos para Vee Jay, quien lo puso en el estudio con la banda de Jimmy Reed y obtuvo un disco que no se parecía en nada a Jimmy Reed. Es una de las canciones más versionadas de Hooker (Los Lobos y Van Morrison incluso la rehicieron con él), pero nadie puede igualar el sentido rítmico sesgado del original.