Queen II: El álbum que elevó a la banda a la realeza del rock
Cuando salió el álbum Queen II en 1974, Queen había llegado con estilo y Freddie pudo dejar su trabajo de fin de semana.
Un mes después de lanzar su álbum debut, Queen regresó a los Trident Studios para comenzar a trabajar en lo siguiente, tentativamente titulado “Over The Top”, una idea que no divirtió a EMI más que “Dearie Me” para su predecesor. A pesar de las críticas positivas de “Keep Yourself Alive”, los miembros individuales aún no estaban convencidos de que Queen fuera un negocio en marcha y mantuvieron un interés externo en la física (Brian May), la electrónica (John Deacon), Freddie Mercury y sus estudios de arte y dentista potencial, Roger Taylor (o Roger Meddows-Taylor, como le gustaba que lo llamaran) manteniéndose al margen en un puesto de Kensington Market porque quién sabía cuánto duraría esto.
Escucha ahora la edición deluxe de Queen II.
Todavía estaban ansiosos por reanudar el trabajo antes de volver a la carretera y prepararse para una gira con Mott the Hoople, por lo que tomaron un puesto vacante en agosto en Trident y comenzaron a hacer el disco que es el favorito de muchos fans. Sin duda, es la primera vez que uno escucha sus característicos sobre grabaciones de varias capas, esas ricas armonías y la pura alegría de vivir de un grupo de jóvenes que se niegan a ser obstaculizados por los límites y la conformidad. Así que mientras otras estrellas de rock se iban de vacaciones, Queen trabajaba como troyanos…
Los cuatro se embarcaron en el proceso de grabación como peces en el agua con la notable ayuda de Roy Thomas Baker y el hombre interno Robin Geoffrey Cable, un aliado de la banda desde que produjo a Larry Lurex, también conocido como Freddie Mercury, en un intento espectacularmente operístico de la obra maestra de Phil Spector, Ellie Greenwich y Jeff Barry “I Can Hear Music”. También en esa sesión estaba el ingeniero Mike Stone, otro técnico de sonido de gran talento que aprendió su oficio en Abbey Road, participó en el álbum Beatles For Sale de los Beatles y, más recientemente, lanzó un poco de polvo mágico sobre Nursery Cryme de Genesis y sobre la joya de la guitarra pesada The Smoker You Drink, the Player You Get de Joe Walsh. En otras palabras, todo un equipo, y May y compañía tenían muchas ideas propias para llevar a la fiesta.
Lo que se convirtió en Queen II se hizo y se desempolvó en ese caluroso mes. Al darse cuenta de que, como compositores, Mercury y May tenían agendas líricas radicalmente diferentes – Brian, el guitarrista, prefería una inclinación personal o emocional, mientras que, a Freddie, el cantante, le gustaba operar en los reinos de lo fantasmagórico – se decidió darle al disco un concepto libre, dividiendo el material en los lados “Blanco” y “Negro” para que coincidiera con la luz y la sombra de las canciones. La portada desplegable y la etiqueta del álbum reflejaban el estado de ánimo en blanco y negro y cuando salieron a la carretera para apoyarlo, invirtieron en un equipo de escenario monocromático diseñado por Zandra Rhodes. El fotógrafo Mick Rock fue contratado para fotografiar la portada gracias a sus sorprendentes imágenes de David Bowie, Iggy Pop (Stooge) y Lou Reed, e hizo posar a la banda para lucir adecuadamente malhumorada y vampírica al estilo de Marlene Dietrich en Shanghai Express. Freddie, por supuesto, no pudo resistir la más leve de las sonrisas mientras miraba a Rock con los brazos cruzados.
Para el debut, el amigo de Queen, Douglas Puddifoot, había representado a Mercury sosteniendo su corto pie de micrófono que pronto sería familiar, actuando bajo un reflector en lo que parecía un escenario de arena. Una buena presunción, considerando que Queen estaba lejos de ese estado todavía, realmente no le dio al espectador una idea de lo que había dentro. La fotografía de Mick Rock, que los chicos pensaron que era un poco pretenciosa al principio, los mostraba como una banda o una pandilla y esta vez el posible comprador quedó intrigado por el contenido potencial.
En el interior había muchas maravillas. Comienza con “Procession”, interpretada por May en tiempo de marcha fúnebre con una guitarra multipistas, la Red Special construida a mano por Brian y su padre, Harold, cuando el aspirante a músico era un adolescente. El instrumento, también conocido como la Vieja Dama o la Chimenea, se convirtió en un ícono para los fans de Queen.
“Father to Son” de Brian fue escrita pensando en Harold y combina puentes de guitarra de metal y un piano introspectivo interpretado por el compositor, así como la guitarra acústica de John Deacon y una armonía vocal impecable.
La fortuitamente titulada “White Queen (As It Began)” era una canción que Brian había escrito en 1968 cuando estaba a punto de ir al Imperial College para estudiar física. Inspirándose en el tratado de Robert Graves sobre poesía y mito, The Golden Fleece, May también tenía en mente a una musa femenina, una chica de su clase de biología de nivel A en Hampton Grammar, y la combinación de letras de amor cortés y un ideal de feminismo impactaron un acorde con el público de Queen que pronto se daría cuenta de que no se trataba de otro grupo de glam rock estándar.
May hace su debut como el único vocalista principal en “Some Day One Day” y también contribuye con una sorprendente sobre-grabación de guitarra, con la sección final con tres instrumentos que tocan partes diferentes en lugar de combinarse en sincronía. Las 24 pistas de Trident se hicieron realidad y Brain estaba jubiloso por lograr el sonido que siempre había deseado.
“The Loser In The End” del baterista Roger cierra el lado “blanco” con una variación del tema Mother to Son, aunque con un poco de ironía o humor ambiguo en los versos y un encantador trabajo de marimba.
Si las contribuciones de Freddie hasta el momento fueron esporádicas, tomó el relevo del lado “negro”. “Ogre Battle” se tomó del primer álbum y se le dio un arreglo adecuado, uno muy pesado con gritos vocales escalofriantes y un golpe tenso de guitarras y tambores, un gong clásico y muchos efectos de sonido para anunciar una suite que es Queen en su forma más progresiva. Mercury la escribió en guitarra y su riff de heavy metal saltó con deleite de May por su poder marcial y se convertiría en un elemento básico en sus presentaciones en vivo durante los próximos cuatro años.
“The Fairy Feller’s Master-Stroke” se inspiró en las frecuentes visitas a la Tate Gallery, realizadas por Freddie y los demás para admirar la pintura de pesadilla de Richard Dadd del mismo nombre. Para replicar la extrañeza del lienzo de Dadd, la banda empleó un fuerte panorama estéreo, las partes de piano y clavicémbalo de Fred, las castañuelas de Roy Thomas Baker y múltiples sobre-grabaciones vocales y armonías. Claustrofóbico y trastornado, el mundo de fantasía medieval del artista cobró vida con un éxito sorprendente. La referencia al “compañero quaere” en la letra no es tan obvia como algunas personas imaginan, sino más bien otra referencia literaria a la obra de teatro de Brendan Behan, The Quare Fellow, dada una ortografía arcana.
“Feller” fluye en forma de secuencia con Mercury al piano retomando la armonía final de tres partes para presentar “Nevermore”. Freddie y Robin Cable también tocarían el piano de cuerdas o punteo (de nuevo sin sintetizadores) en una canción que trata sobre la ruptura de una relación, con un guiño al poema de Edgar Allen Poe El Cuervo.
La polirrítmica y dobladora de octavas “The March Of The Black Queen” fue escrita por Mercury al piano y se desarrolló como una extravagancia de guitarra eléctrica y acústica con May agregando campanas tubulares sinfónicas. Como tal, era prácticamente imposible reproducirla en vivo, pero sigue siendo un punto culminante del álbum.
Otro pasaje lleva al escucha a “Funny How Love Is”, una canción de Mercury bendecida con una de sus letras más conmovedoras y encantadoras (“Divertido cómo el amor está llegando a casa a tiempo para el té”). El cantante se sintió más cómodo trabajando con Cable en esta canción y la pareja revisó la técnica Wall of Sound que habían empleado en “I Can Hear Music”. Fue Freddie en pocas palabras.
Y así hasta el final, “The Seven Seas Of Rhye”, una canción que muchos escucharon por primera vez cuando Queen se apoderó de la cancelación de David Bowie de un compromiso de Top of the Pops para estrenar “Rebel Rebel”. Los productores del programa le preguntaron a Mike Stone si podía recomendar un reemplazo, por lo que Queen hizo su primera aparición importante en televisión el 21 de febrero, tocando la canción más nueva y completa ante las cámaras y aterrizando en las salas de estar con tal estilo y despreocupación que las centralitas telefónicas se atascaron. La canción fue lanzada como sencillo dos días después.
Destacado por su panorama y arpegios y un fundido cruzado que conduce a una breve interpretación de “I Do Like To Be Beside The Seaside” (con Baker en el estilófono, ¡todavía no es realmente un sintetizador!) este es un magnífico trabajo en todos los sentidos. Un elemento clásico del glam rock de la época, que recuerda la brutal intensidad de The Move, alcanzó el puesto número 10 en el Reino Unido y llevó el álbum al puesto número 5, al mismo tiempo que impulsó las ventas del debut. Buen trabajo en general.
Queen II ahora se reconoce como un hito en el desarrollo de la banda y, aunque no es oscuro, en Estados Unidos se considera un artefacto de culto venerado por gente como Billy Corgan, Steve Vai y Axl Rose, y sigue siendo una influencia obvia en todos, desde U2 hasta Muse. Incluso Bowie se incorporó y se dio cuenta, sin duda permitiéndose una sonrisa irónica ante la llegada de Queen debido a que no se presentó y probablemente disfrutando de su protagonismo. Finalmente, algo de competencia.
Pero, aunque el álbum estaba listo para salir en septiembre, completamente mezclado, etc., EMI lo retuvo ya que el primer álbum aún estaba en pañales. La crisis del petróleo de 1973 también condujo a una escasez de vinil mientras Gran Bretaña dormitaba en la semana de tres días, con una inflación galopante y un aumento del malestar político y social. Aun así, aquellos que escucharon el álbum cuando salió el 8 de marzo de 1974 quedaron impresionados y espiritualmente elevados. Queen había llegado con estilo y Freddie podía dejar su trabajo de fin de semana y concentrarse en los grandes momentos que se avecinaban. Adiós Kensington Market, hola mundo.
Posdata
En 2011, como parte del programa de reedición de Universal sobre Queen, se agregó otro disco. Esto incluye la cara B de Brian May de “Seven Seas Of Rhye”, el blues “See What A Fool I’ve Been”, que se remonta al período de Smile cuando el guitarrista escuchaba mucha música de Sonny Terry y Brownie McGhee. Esto lo canta Freddie en estilo burlesco y es lo más parecido a un tratamiento de blues directo en el repertorio de la banda. Disponible también como sesión de la BBC, le sigue una presentación en vivo en el Hammersmith Odeon de “Queen (As It Began)” de la Navidad de 1975, la fascinante mezcla instrumental de “Seven Seas Of Rhye” y una versión de abril de 1974 de “Nevermore” para la BBC, que clava la balada desgarradora a la perfección.
